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En boucle

HOBOSEXUAL

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magiciens magiques

ALBUM REVIEW:

HOBOSEXUAL MONOLITH

written by Christopher Cox November 4, 2017

A lot of metalheads think they are special because of their supposed ability to comprehend and appreciate the subtleties and extremes inherent to the art form.  I know this because I’m one of those people and over the years I’ve endured the confused and disinterested stares of more than a few people as I’ve regaled them with inane ramblings on esoteric song structures, the importance of a strong visual component through the use of album art, or the brilliance of some bizarre genre-bending concept album.  What can I say?  I love the complex side of metal and rock and for this I make no apologies, but every now and then an album comes along and reminds me of the beauty of well executed simplicity.

Comprised of drummer Jeff Silva and guitarist/vocalist Ben Harwood, Seattle’s Hobosexual released their self-titled debut in 2010 followed by their sophomore album entitled II in 2013.  Billed on their Bandcamp page (where they also sell action figures—seriously) as “2 beards, 4 amps, and more raw talent than Jesus” the band quickly garnered a rabid following thanks to a modern hard rock sound heavily steeped in 80’s kitsch.  Although their music landed on a few episodes of Showtime’s Shameless, as well as on nationally televised Seahawk’s games, Monolith serves as my introduction to the band outside of the fact that I was generally aware of their existence because—let’s face it—“Hobosexual” isn’t a band name one tends to forget once you see it in print.

Perhaps the most unique virtue among Hobosexual’s many, is their ability to maintain an underlying simplicity while weaving together a wide variety of sonic tapestries, as they readily demonstrate across Monolith’s 44-minute run-time.  This dynamic, however, plays itself out between songs as much or more than it does inside of the individual songs themselves, and perhaps the best example of this exists across the album’s first two tracks.  Album opener “Trans-Am Sunday” features vocals that sound like something Liam and Noel Gallagher could dream up if they stopped being assholes long enough to cut a new Oasis record (not that anyone wants that) interspersed with the most triumphant shoegaze riff you’ve ever heard.  Hobosexual could probably make an entire album like this and be hailed as alt-rock champions, but then they go ahead and name the album’s second track “Monsterbator” and pummel your ears with a song that sounds like what you’d expect if an AC/DC tribute band wrote and recorded an original track to sneak into their live set, if that band was fronted by a guy who A) also sings in a Led Zeppelin cover band and B) once won a karaoke competition with a rousing rendition of The Darkness’ “Get Your Hands Off of My Woman”.

When I say that Monolith’s versatility is demonstrated between songs rather than inside of them individually, what I’m really trying to say is that Monolith is loaded with song structures that can be charitably described as simplistic.  Most of these songs don’t really have proper verses and choruses, and most feature only one or two discernible riffs atop Silva‘s massive drum sound.  A lot of 2-piece bands—like Big Business for example—tend to settle into a familiar sonic signature across songs and albums, which has the unfortunate side effect of amplifying the shortcomings of having only 2 members.  Hobosexual generally manages to avoid this pitfall because they never sit still long enough to allow the dust to settle on their sound as they fist-pump their way from one song to the next.  Much of this is due to Harwood’s vocal range, which is really quite impressive.  At one moment he can evoke the likes of Maynard James Keenan’s Puscifer vocal stylings, as he does on “VHS or Sharon Stone” (the lyrics on which sound like something Beckwould write if he was limited to only using 80’s references as source material), and the next he’s displaying a nearly Cornellian (RIP) depth of range, as he demonstrates on the album’s title track.

Lyrically, there’s nothing here that seems to warrant in-depth analysis, which is clearly the point and well in keeping with the fast and loose “don’t overthink it” aesthetic one gets from Monolith as a whole.  And that’s just fine because Monolith is as fun as it is diverse, and while I’m tempted to further strip the origins of Hobosexual‘s sound down in an attempt to identify the various genres from which it undoubtedly borrows (as I am wont to do on occasion), I see no value in that exercise here.  There is little doubt that Hobosexual borrow from various well-worn (tired, even) influences to define their sound, but what becomes abundantly clear in listening to Monolith is that their motivations for doing so are as unconventional as the results.  At a time when most bands approach genre-melding as a sometimes over earnest attempt at forging the next “it” sound, Hobosexual seems more interested in hurling some of those same conventions against one another for little more than the pure joy of watching them smash into each other and explode on contact.

Hobosexual is the musical equivalent of that rowdy neighbor kid your parents hated because he’d rather blow up his toys (and yours) with firecrackers than actually sit in the sandbox and play with them.  You should listen to Monolith…maybe…just don’t tell your folks.

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Mutafukaz

Festival d’Annecy 2017 : “Mutafukaz”, un dernier coup de cœur pour la route

Présenté en dehors de la compétition officielle, l’adaptation de la bande dessinée éponyme de Guillaume Renard (Run), dont les principaux personnages sont doublés par Orelsan et Gringe, a conquis le public du festival international du film d’animation.

A la fin du festival, un titre de film hors compétition était sur toutes les lèvres : Mutafukaz, projeté en séance événement. L’adaptation de la B.D du même nom par son auteur Guillaume Renard (Run pour les intimes de la maison d’édition Ankama) et Shoujirou Nishimi, qui fut, entre autres, directeur de l’animation sur l’éblouissant Amer Béton de Michael Arias et Hiroaki Ando en 2007. Commençons par présenter le décor à ceux qui n’ont jamais mis les pieds à Dark Meat City, sordide mégapole de la côte Ouest sortie du cerveau et des crayons de Guillaume Renard, il y a déjà dix ans. Dans cette ville imaginaire de Californie née sur les décombres d’un Los Angeles ravagée par un tremblement de terre, les seules valeurs sûres sont le crime et la pollution. Les gangs s’affrontent en permanence, et la police fait encore plus peur que les gangsters. Angelino et Vinz, deux copains à la vie à la mort, vivotent dans un meublé crade, et passent de petits boulots en plans foireux. Détails qui comptent : l’un a une tête de citrouille noire et sans bouche, l’autre une tête enflammée, et ils sont drôles chaque fois qu’il ouvre la bouche même si Angelino n’en a pas. Pas étonnant puisque ce sont Orelsan et Gringe qui leur prêtent leurs voix. Après un début hilarant où Angelino-Orelsan présente leur cadre de vie cafardeux (au sens propre puisque les insectes coloquent avec eux), le film s’emballe vite quand il est victime d’un accident sur son scooter de livreur de pizza. Est-il tombé sur la tête ? Car le voilà soudain pris d’hallucinations : il « voit » de dangereuses ombres sortir de certains passants qu’il croise dans la rue…

Pas encore de distributeur en France

Début d’un « Sauve qui peut les emmerdes et les balles » avec, dans le désordre, un troisième pote très geignard, des hommes en noirs, une fille à papa en quête d’émancipation, un chef de gang qui cite Shakespeare, des guns fight, de vieux catcheurs devenus justiciers, un énorme complot politico-spacio-écologique, et une … femme président. Ce qui prouve bien que nous sommes dans l’anticipation… En dehors d’Invasion Los Angeles de John Carpenter, la référence majeure du film, le scénario regorge de clins d’œil plus discrets qui régaleront les cinéphiles, les geeks, ou les deux. Et Shoujirou Nishimi a parfaitement adapté sa réalisation au style de Run, avec juste un peu plus de couleur, et sans trahir le moindre palmier déplumé sur le boulevard. Il s’est même fixé un défi : Angelino n’a pas de bouche ? Il le fait manger tout le temps !

Mais qui verra Mutafukaz à part le public, chanceux, d’Annecy ? Car ce film sur le chaos et la seule manière d’en sortir (avoir un bon copain) n’a pas encore de distributeur en France. La sortie au Japon est prévue, mais chez nous, cet objet animé qui réussit à rester fidèle à l’esprit de la BD, donc à la jonction parfaite du comics et du manga, de la culture hip hop et de la SF vintage, semble décontenancer. Difficile à mettre dans une case, Mutafukaz. S’il faut vraiment lui en trouver une pour rassurer les exploitants, disons « film de genre ultra contemporain ». Ou « bon film », tout simplement.

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It came from the moon

Avis sur Mutafukaz

Critique publiée par Monsieur Belette le 

Il y a 17 ans, débutait la plus grande manipulation de tout les temps.

Deux p’tits personnages, Angelino et Vinz, s’emmerdent dans leur quotidien crasseux. Entre deux discussions sur la CIA et Cindy-la-Pute™, une descente de flics vient interrompre les deux compères.

Après un bref combat, les deux bonhommes parviennent à s’enfuir tout en mettant une raclée digne de ce nom à leurs agresseurs.The End.

Ce scénario, c’est Mutafukaz. Pas celui-là, l’autre, le court-métrage de 1999, intitulé Operation Blackhead.

Cette scène, on la verra à nouveau en 2006, sans notre chère Cindy, mais cette fois ci dans une charmante petite ville en proie à la misère sociale, Dark Meat City. Le récit prend une nouvelle forme, celle de la BD, sous le magnifique dessin de Guillaume Renard, alias Run.

Angelino s’y est adouci, le background des personnages s’est complexifié, mais le délire reste le même. Un beau jour, un raid va interrompre le quotidien de deux ratés, qui vont se retrouver au beau milieu d’une conspiration d’ordre mondiale. Néanmoins, là ou Operation Blackhead s’arrêtait sur une fuite en milieu souterrain, l’histoire de la BD continue.

Finalement, c’est en 2015 que sort V, sixième et dernier livre de la série.
Dans le même temps, sort le trailer d’un projet datant de 2011, Mutafukaz – Le film. Un projet un peu fou cherchant à réitérer l’expérience cinématographique sur un format 90 minutes, le tout produit par Ankama et Studio 4°C avec Shōjirō Nishimiet Run à la réalisation.

Du rêve.

6 ans plus tard, que penser du résultat?

Commençons par l’intérêt de Mutafukaz en tant que film d’animation

Et bien tout d’abord, c’est techniquement irréprochable. Le studio 4°C n’y est pas pour rien, tant leur influence pèse dans le milieu de l’animation japonaise, et voir un tel résultat sur un film d’animation francophone fait extrêmement plaisir. L’animation est fluide, les dessins sont vifs et l’utilisation de changements de perspective, mêlant habilement la 2D à la 3D, apporte un caché formidable à l’action.

Le sound design est également très travaillé, les fusillades entre gangs et forces de l’ordre étant rythmés par la musique de The Toxic Avenger. Bien que n’étant pas un fan immense de dubstep, son incorporation aux scènes d’action est franchement bien fichue; le bruit des armes se mêlent à la bande sonore, offrant une bonne cohérence à l’ensemble. Mention spéciale à la scène du camion de glace, offrant un mélange surprenant et savoureux.

Les doublages sont d’assez bonne facture, les personnages secondaires disposant d’un bon panel de voix, les empêchant de tomber dans le mauvais cliché. Concernant le choix pour les personnages d’Angelino et de Vinz, je suis agréablement surpris. Envoyez moi au bûcher mais j’ai pas mal de difficultés à supporter les voix des Casseurs Flowters, la bande-annonce du film m’avait donc laissé un doute sur la pertinence du casting. Si durant les monologues intérieurs d’Angelino, Orelsan a tendance à user de sa tonalité habituelle, les dialogues de son personnage semblent beaucoup plus naturels et agréables à l’oreille.

Mais alors, que prive ce film de ma note maximale?
Malheureusement, si je considère Mutafukaz comme un excellent film d’animation, le bilan est un peu plus mitigé en temps qu’adaptation d’une oeuvre existante.

En effet, le format du film est sa principale faiblesse. Les 90 minutes passent vite, très vite, trop vite. Il se passe tellement de choses en l’espace d’1h30 qu’un paquet de contexte passe à la trappe, pouvant causer quelques confusions dans la trame scénaristique.

Bon nombre de personnages se retrouvent malheureusement ainsi sous-exploités ou sous-développés.

Les luchadores et le professeur en sont un exemple, leur introduction au récit étant extrêmement brève malgré leur importance dans la suite des événements. On ne connait leurs motivations qu’à la fin du film, alors qu’elles étaient beaucoup plus claires dans la BD.

D’autres personnages, tels les ninjas du clan Tanaka ont tout simplement disparus. Je conçois qu’en 90 minutes il faille faire des sacrifices, mais je trouve cela dommage tant leur apparition chamboulant les codes graphiques m’avait marqué à l’époque.

Si cette épuration de l’histoire est inhérente au format, un autre constat m’a déçu. Le film est très timide dans son parti pris graphique…

Mais attend une minute sale enflure de belette, tu viens de dire que l’animation est irréprochable, tu te fous de ma gueule ou quoi?

Si en effet l’animation est superbe, le style graphique ne change presque jamais, contrairement à la BD où Run fait la part belle aux essais graphiques, les styles se mélangeants selon le contexte ou les envies. Les moments de ruptures avec le style classique sont extrêmement rares dans ce film et c’est assez dommage, surtout en connaissant les prouesses visuelles du studio 4°C sur ses short movies, mélangeant le réalisme et l’ésotérisme à la perfection.

D’autant plus que la sortie de Mutafukaz en BD a chamboulé pas mal de concepts à l’époque, si bien que ce style si particulier, mélangeant comics, manga et culture urbaine à donné naissance au Label 619 et à une nouvelle génération d’auteurs, mettant l’accent sur l’exploration graphique tout en apportant sa touche personnelle au média.
J’aurais apprécié cette même claque que m’avaient offert les livres lors de leur première lecture.

En définitive, ce que je reproche à Mutafukaz n’est pas tant un défaut qu’un atout, à savoir le simple fait d’être une expérience complémentaire à la BD sans pour autant la remplacer. Ce film est avant tout l’occasion d’ajouter une pierre à l’oeuvre de Run et de faire découvrir l’univers de Mutafukaz à un public néophyte tout en respectant les habitués de la série.

Il aurait simplement pu faire preuve d’un peu plus de folie afin d’atteindre le rang de classique.

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L’Ile aux chiens : du grand Wes Anderson, poilant et mordant

Le réalisateur texan a dévoilé les secrets de fabrication de son nouveau film d’animation avec marionnettes, “L’Ile aux chiens”, un hommage au cinéma japonais présenté en ouverture de la 68e Berlinale. Compte-rendu.

L’Académie des arts de Berlin résonne au son des taiko, les tambours traditionnels japonais, martelés par trois joueurs germano-nippons. Des hôtesses circulent au milieu du public, avec des plateaux chargés de timbales en porcelaine remplies de saké tiède. Au premier étage de cet immeuble moderne, tout en béton, bois et verre, avec vue plongeante sur la Pariser Platz et la porte de Brandebourg, Wes Anderson apparaît. Tiré à quatre épingles dans son habituel costume de tweed, le cinéaste américain est accompagné de ses collaborateurs et amis de longue date Roman Coppola, Jason Schwartzman et Kunichi Nomura. Devant une centaine de privilégiés, quelques heures avant la cérémonie officielle, ils sont venus dévoiler les secrets de fabrication du film d’ouverture de la 68e Berlinale, L’Ile aux chiens, le neuvième long métrage de Wes Anderson et son deuxième film d’animation en stop motion après Fantastic Mister Fox.

Ni poules peureuses ni renard fringant cette fois, mais une meute de chiens malades et couverts de puces, déportés sur une île décharge par le maire despotique d’un Japon dystopique frappé d’une épidémie de grippe canine. L’Ile aux chiens est une fable d’anticipation et d’aventures aux ramifications politiques qui se veut, aussi, et avant tout, un hommage au cinéma japonais des années 60.

Un prodigieux mélange de nostalgie et de modernité

L’histoire a été imaginée collectivement par les quatre hommes présents sur l’estrade devant nous. « Akira Kurosawaet ses modestes équipes de coauteurs travaillaient ensemble à l’élaboration des scénarios, explique Wes Anderson. C’est une pratique également assez courante dans le cinéma italien : les films sont écrits à plusieurs autour d’une table. Comme pour une série télévisée. On a essayé de s’en inspirer à notre façon. » Le scénario a été écrit quasiment dans l’ordre chronologique, au fur et à mesure que les idées surgissaient. Roman Coppola explique le processus : « On plaisante, on discute, et quand quelque chose sonne juste, Wes le prend en note dans un de ses carnets. Jason va dire quelque chose qui, tout à coup, fait jaillir une idée, ou une bribe de dialogue. Et puis, parfois, on se met dans la peau des personnages. On avait déjà éprouvé cette méthode pour A Bord du Darjeeling Limited. »

L’Île aux chiens

D’où, sans doute, cette familière sensation de foisonnement, d’imagination en ébullition, qui saisit le spectateur de L’Ile aux chiens, comme de la plupart des films-miniatures de Wes Anderson, où chaque dialogue, chaque plan, bien que calé au millimètre et chargé de références, semble n’appartenir qu’à lui. Il y a toujours, chez l’auteur de Moonrise Kingdom, ce prodigieux mélange de nostalgie et de modernité. Les experts en cinéma japonais pourront reconnaître ici ou là des emprunts à Akira Kurosawa, Yasujiro Ozu ou Seijun Suzuki ainsi qu’aux films de monstres des années 50 et 60 type Godzilla et à leur cortège de catastrophes naturelles (tsunami, éruption volcanique…). « A nos yeux, c’est un hommage à toute une série de réalisateurs japonais, et à la culture japonaise en général, mais notre plus grande influence est certainement Kurosawa, avoue le réalisateur de La Vie aquatique. Pour concevoir les décors, les maquettes et les personnages, on a vu et revu L’Ange ivreChien enragéEntre le ciel et l’enferLes salauds dorment en paix [quatre films noirs de Kurosawa, NDLR]… Mais on s’est aussi beaucoup inspirés deux maîtres de l’estampe de l’époque d’Edo au XIXe siècle, Hiroshige et Hokusai. »

Autre particularité de ce film d’animation, le soin apporté au doublage des marionnettes. Car chez Wes Anderson, les chiens parlent parfaitement anglais. Le casting voix a été choisi et dirigé par le cinéaste comme pour un film classique, avec la même attention. Tous les comédiens japonais qui jouent des humains parlent japonais (avec traducteurs anglais et parfois des sous-titres) et les acteurs anglophones campent pour la plupart les chiens. Et Wes Anderson n’a pas fait dans la demi mesure. Il est allé chercher des pointures : Bryan Cranston (le héros de la série Breaking Bad), Edward Norton, Bill Muray, Jeff Goldblum, Greta Gerwig, Frances McDormand, Scarlett Johansson, Harvey Keitel, Yoko Ono, Tilda Swinton… Pour peu qu’on soit habitué à entendre ces stars en VO dans leurs films, les reconnaître sous les poils de clébards pouilleux mais fiers décuple le plaisir. Mais pas de jaloux pour ceux qui préfèrent la VF car Wes Anderson le francophile (il habite Paris) a également supervisé le doublage et a choisi les comédiens parmi ses amis et admirateurs. Oubliez donc les traditionnels Manu Payet et autres doubleurs de luxe qui cachetonnent dans la plupart des films d’animation en 3D. Là encore, Anderson s’est fait plaisir en invitant, excusez du peu, Vincent Lindon, Romain Duris, Yvan Attal, Hippolyte Girardot, Mathieu Amalric, Louis Garrel, Léa Seydoux, Greta Gerwig (encore) ou Isabelle Huppert…

L’Île aux chiens

Les tambours traditionnels sur lesquels s’est ouverte cette discussion auront permis à Wes Anderson de dire un mot sur la musique de L’Ile aux chiens, un autre poste primordial à ses yeux. On peut penser que la boulimie du compositeur Alexandre Desplat finit immanquablement par générer des bandes originales moins inspirées voire stéréotypées, il faut reconnaître qu’en s’associant pour la quatrième fois avec Wes Anderson (et après un Oscar obtenu pour la partition de The Grand Budapest Hotel), il a réussi un « score » exemplaire en mêlant aux percussions japonaises des instruments inattendus : la clarinette et le saxophone. Il crée ainsi une fusion sans effusion parfaitement raccord avec l’esprit nostalgique du film, qui hésite entre tradition et science-fiction. Interrogé, à la fin de sa conférence, sur la portée politique de son film, qui échappera peut-être aux enfants mais certainement pas à leurs parents, Wes Anderson, le Texan en exil, confirme que « (s)es chiens pensent, parlent, agissent comme des humains. La société des hommes les pousse à l’exil, avant de tenter de les tuer pour les remplacer par des chiens mécaniques, plus dociles. » Une métaphore assez limpide, qui renvoie aux pages les plus sombres de l’histoire du XXe siècle. Et, désormais, à celles du XXIe.

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Je (re) pars

Je quitte Chambéry et, fort probablement. les amours de toute une vie.

C’en est trop, je tiens le coup… ça reste une question ouverte avec un gros ? à la fin.

J’ai squatté 3 mois la piaule de Guitou. Je t’en serais toujours reconnaissant, merci mon cher Guitou, à une prochaine fois !

Je sens que un gros paragraphe se termine.

Pour l’instant je ne tourne pas la page, je ferme, je plis bagages.

J’y glisse une jolie photo de l’époque. Que je t’aime Cleo!

Au secours !

Je débarque à Gières, les plus : plus de grèves sncf, assez vert, tout à vélo, cool&calm mais une déchirure très douloureuse.

Qu’un dieu me garde…

Les années passent

2015

2016

2017

2018

Cette année au même temps je suis au pire, jamais j’ai connu une telle souffrance une telle douleur et que je me suis senti aussi seul, abandonné, trahis.

Épluché, emplumé

Adieu